Paul Verhoeven

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Paul Verhoeven
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Paul Verhoeven en 2016.

Naissance (79 ans)
Amsterdam
Pays-Bas
Nationalité Drapeau des Pays-Bas  Néerlandais
Profession Réalisateur
Scénariste
Films notables La Chair et le Sang
RoboCop
Total Recall
Basic Instinct
Showgirls
Starship Troopers
Elle

Paul Verhoeven ( API: [ˈpʌu̯l vərˈɦuvə(n)]) est un réalisateur néerlandais, né le à Amsterdam. Sa carrière se divise en trois grandes périodes : il obtient d'abord ses premiers succès chez lui, aux Pays-Bas, puis il accepte l'invitation d' Hollywood et s'installe aux États-Unis ; enfin il rentre en Europe, sur le tard, pour y retrouver la liberté de tourner des films plus personnels.

Formé pour l'essentiel durant son service militaire au département audiovisuel de la Marine néerlandaise, pour laquelle il tourne des documentaires propagandistes dès 1964, il réalise ses premiers films à domicile, où il obtient rapidement des succès majeurs comme Turkish Délices ( 1973), record d'entrées dans son pays encore aujourd'hui. Mais après le très rude Spetters ( 1980), la censure de plus en plus forte le conduit à migrer ses projets vers les États-Unis. Il y découvre un tout autre monde, mais c'est bien là qu'il obtient ses plus gros succès à l'international : RoboCop ( 1987), Total Recall ( 1990), Basic Instinct ( 1992), avant les controversés Showgirls ( 1995) et Starship Troopers ( 1997). Mais progressivement, le côté dérangeant et provocateur de sa production lui mettent les studios de nouveau à dos, et le manque croissant de liberté le décide à rentrer en Europe pour tourner Black Book ( 2006). Il revient en 2016 avec le film francophone Elle, nommé pour la Palme d'or par le jury du Festival de Cannes.

Toute la filmographie de Verhoeven est traversée par les thèmes du sexe, de la violence et de la religion, qu'il considère comme « les trois principaux éléments sur Terre ». Fidèle à ses origines néerlandaises, il se pose en observateur froid et lucide, quitte à choquer pour mieux montrer la stricte réalité. C'est ainsi qu'il a parfois été surnommé durant sa période américaine « le Hollandais violent ». Il livre un cinéma ouvertement amoral, ambigüe, mais aussi extrêmement appliqué, et finalement fondamentalement humaniste derrière les effets qu'il emploie.

Biographie

Enfance et période néerlandaise

Paul Verhoeven en 1980.

1938-1966 : Apprentissage

Paul Verhoeven est né le à Amsterdam, d'un père instituteur et d'une mère au foyer [1]. Très marqué par la Seconde Guerre mondiale, dont il est un témoin direct dans son pays occupé par les Allemands, il garde le souvenir de scènes terribles [2]. Mais il se souvient également d'une enfance joueuse, qui détournait ce décor sordide pour en faire comme une cour de récréation [1]. Après la libération, les films américains se propagent aux Pays-Bas, et son père l'emmène souvent au cinéma [3]. Il fréquente alors le Gymnasium Haganum à La Haye, où il s'oriente vers des cours de physique et de mathématiques.

En 1955, toujours à l'initiative de son père, francophile, ses parents l'envoient passer une année en France, au lycée Henri-Martin de Saint-Quentin ( Aisne) puis en pension à l' Alliance française Paris Île-de-France. Il y rencontre un professeur de français qui lui fait découvrir les grands classiques du cinéma, dans le cadre de son ciné-club. Il avoue que la naissance de sa vocation de metteur en scène remonte à cette époque ; il veut intégrer l' IDHEC, mais sa démarche est trop tardive et il rentre aux Pays-Bas [4], [5].

Il reprend ses études à l' université de Leyde (Leiden) où, fasciné par le surréalisme, et de plus en plus tenté par un mode d'expression plus créatif, il prend quelques cours de peinture, et tourne en parallèle ses premiers courts-métrages [5], [6]. Son premier, Un lézard de trop (Een hagedis teveel), se veut un croisement entre Hiroshima mon amour et le cinéma d' Ingmar Bergman. Le deuxième, Rien de particulier (Niets bijzonders), s'inspire plutôt de la Nouvelle Vague. Il obtient son diplôme en mathématiques et physique en 1960 [7].

En 1964, il effectue son service militaire dans la Marine néerlandaise, où il est chargé de calculer la forme des projectiles. Mais, toujours plus animé par son attrait pour l'art, il profite de divers rencontres pour rejoindre le département audiovisuel. Là, il commence à tourner des documentaires, notamment un film pour fêter le tricentenaire de l'institution, pour lequel il reçoit un prix au Festival du film militaire de Versailles. Outre de le familiariser avec la technique sur pellicule, l'expérience lui apporte ainsi un début de visibilité. C'est là qu'il décide d'abandonner la carrière de professeur de mathématiques promise à ses camarades. Il dira en riant : « en fait, je dois tout à l’armée » [6], [8].

1967-1975 : Premiers succès

À son retour dans le civil, il est engagé par la télévision du pays. Son dernier documentaire, paru en 1967, porte sur Anton Mussert, le chef du parti fasciste local. Désireux de laisser chacun donner son avis, quel que soit son degré de désaccord avec les propos formulés, il interviewe d'anciens SS, qu'on voit ainsi s'exprimer pour la première fois à la télévision, ce qui était interdit jusque là [8].

Son premier succès vient en 1969 avec la série télévisée   (en), qui lui permet de faire la connaissance de Rutger Hauer, avec qui il collaborera durant toute sa période néerlandaise [6]. Il rencontre le scénariste Gerard Soeteman  (en) et ensemble ils entament une série de films qui ne cessera là aussi qu'avec le départ du cinéaste pour les États-Unis [9].

Repéré pour ses premiers travaux, Verhoeven est approché par le jeune producteur néerlandais Rob Houwer  (en), familier du nouveau cinéma allemand, pour adapter un roman d' Albert Mol  (en) en le transposant dans le quartier rouge d' Amsterdam [10]. Verhoeven et Soeteman se montrent réticents, le script proposé se révélant tendre à une suite de sketchs sans réelle trame narrative [11], mais ils acceptent quand Houwer leur promet le film qu'ils voudront si celui-ci est une réussite. Business is Business (Wat Zien Ik?) sort en 1971. Il s'agit d'une comédie légère centrée sur deux prostituées aux visions opposées sur la profession, et où chaque client est tourné en dérision. Ce premier long-métrage, qui réunit diverses vedettes locales du théâtre et de la télévision [10], remporte un immense succès aux Pays-Bas. Avec 2 359 000 entrées dans les salles nationales, il réussit ce qui reste en mars 2016 la quatrième plus grosse performance de leur histoire [12]. Mais Verhoeven avoue ne pas se reconnaître dans le film, et se souvient surtout de n'avoir pas pu en faire ce qu'il souhaitait vraiment [13]. L'expérience le met toutefois en position de force pour son projet suivant, le sulfureux Turkish Délices (Turks Fruit) [5]. Tiré d'un roman célèbre dans son pays, Loukoum, de Jan Wolkers, il met en scène une histoire d'amour empreinte de libération sexuelle, sur fond de bourgeoisie hollandaise égoïste et figée [2], [14]. Inspiré de nouveau par la Nouvelle Vague [5], Verhoeven s'y attaque férocement aux codes de la bienséance et de la religion [14]. Le film sort en 1973, et marque un plus gros succès encore que son prédécesseur, puisqu'en attirant 3 338 000 de spectateurs dans les cinémas néerlandais, il détient toujours en 2016 leur record d'entrées [12].

Le cinéaste continue de bâtir sa renommée avec Katie Tippel ( 1975), où il retrouve le couple principal de Turkish Délices, Rutger Hauer et Monique van de Ven. Adapté de l' autobiographie de la Néerlandaise Neel Doff Jours de famine et de détresse, il raconte l'ascension sociale d'une jeune fille pauvre à la fin du e siècle, des années de prostitution [N 1] à son accès à la haute société. Alors plus gros budget dans l'histoire du cinéma néerlandais [15], le film marque aussi la première incursion de Verhoeven dans le genre historique [14]. Il enregistre un nouveau bon score au box-office local, avec 1 829 000 entrées, lui assurant toujours en 2016 le neuvième meilleur résultat en salles aux Pays-Bas [12].

1976-1985 : Ouverture à l'international

Avec Jeroen Krabbé et Renée Soutendijk, durant la première du Quatrième Homme le .

Le premier succès international arrive en 1977 avec Soldier of Orange (Soldaat van Oranje), nominé notamment au Golden Globe du meilleur film en langue étrangère [16]. Tourné sous le parrainage de la reine, présente à l' avant-première [N 2], et avec l'appui de l' armée néerlandaise, il est basé sur les mémoires d' Erik Hazelhoff Roelfzema  (en), légende de la résistance néerlandaise, et annonce en partie le Black Book de 2006 [18]. C'est à nouveau le film le plus cher de l'histoire des Pays-Bas [17]. Il met en scène des étudiants de l' Université de Leyde, que Verhoeven a lui même fréquentée, et apparaît assagi, conçu pour un plus large public qu'à l'accoutumé [5], [19]. Malgré des critiques réservées [20], Soldier of Orange totalise plus d'un million et demi de places vendues aux Pays-Bas [12], et surtout réussit à attirer l’œil au-delà des frontières du royaume [16]. Le réalisateur raconte avoir été félicité pour ce film par Steven Spielberg, qui lui recommande alors de venir s'installer aux États-Unis, où il rencontrerait moins de difficultés à financer ses projets [19]. Il se fait même approcher par la 20th Century Fox pour diriger ce qui deviendra L'Empire contre-attaque, mais le projet est avorté quand le studio découvre son film suivant, le sulfureux Spetters ( 1980) [21].

Ce dernier est pour Verhoeven une manière de faire contrepoint avec Soldier of Orange, articulé autour du milieu intellectuel néerlandais, en montrant cette fois la part ouvrière de la société. Le script s'inspire également d'une pièce représentée à l'époque, C'est ma vie, après tout !  (en) [N 3], qu'appréciait particulièrement le scénariste Gerard Soeteman. Spetters est aussi le premier film du cinéaste à ne pas être tiré d'un livre, et notamment d'une biographie comme c'était jusque là souvent le cas. Il se veut le témoin de la réalité présente, plus particulièrement celle des petits villages de son pays [19]. Prenant pour décor le milieu de la moto-cross, un choix motivé par son impact visuel, le film marque le retour de Verhoeven à un cinéma très cru, qui sera perçu comme « un sommet de la décadence » selon ses dires [8]. Malgré une presse accablante quand il sort [20], Spetters réalise un bon score dans son pays, avec 1 124 000 tickets écoulés [12]. Mais le réalisateur racontera combien il a peiné pour s'assurer des subventions de son gouvernement, osant même envoyer une version factice du script pour obtenir l'approbation. En lui mettant ainsi à dos critique et establishment, l'expérience est douloureuse à Verhoeven [19]. Les années 1980 marquent à ses yeux un tournant dans le cinéma hollandais, en ce sens que le comité public chargé de le financer, qui allouait jusque là entre 40 et 60 % des budgets nécessaires, s'est progressivement radicalisé vers la gauche, imposant aux films de « témoigner d’un intérêt culturel ou intellectuel ». Et il estime qu'à ce titre, son succès auprès du public local jouait nettement en sa défaveur [6].

Verhoeven revient malgré tout en 1983 avec Le Quatrième Homme (De vierde man), où il semble répondre aux critiques reçues pour ses derniers travaux, notamment par l'auteur reconnu qu'il adapte, le Néerlandais Gerard Reve, et par son symbolisme omniprésent, supposément apprécié des cercles intellectuels. Le cinéaste réussit son pari sur ce point : les retours sont effectivement bien plus flatteurs. Mais le film, dont le thème de la veuve noire possiblement fantasmée annonce en partie Basic Instinct près de dix ans plus tard [20], est le premier à rester sous la barre du million d'entrées aux Pays-Bas [12]. Verhoeven, qui commence à recevoir de nombreuses propositions d' Hollywood, s'ouvre alors progressivement à l'international. Il se lance dans une grosse production financée par le studio américain Orion Pictures, basée en Espagne et tournée en anglais, La Chair et le Sang ( 1985). Il s'agit d'une vaste fresque d'aventures moyenâgeuse, brutale et sans concession. Si le script n'hésite par à céder aux anachronismes, il s'appuie en revanche sur une documentation dense et sérieuse pour dépeindre les rapports humains alors en vigueur [22], [23]. Verhoeven et son scénariste Gerard Soeteman se réfèrent notamment à un essai lu à l'époque de Floris : L’Automne du Moyen Âge, où l’historien Johan Huizinga parle d'une période qui, à l'approche de la Renaissance, sent à la fois « la rose et la merde » [23]. Le tournage est difficile, multipliant les aléas et initiant une brouille durable entre le réalisateur et Rutger Hauer, inquiet pour son image après un tel rôle. Le film sera du reste critiqué pour ses excès à sa sortie [22], et Verhoeven s'en avoue lui-même peu satisfait, le qualifiant d'« à moitié réussi et à moitié de transition » [23]. Il trouve en particulier le couple d'Hauer et de la toute jeune Jennifer Jason Leigh mal assorti [24], mais aussi que les dialogues se ressentent de ses lacunes d'alors pour la langue anglaise. S'il a depuis accédé au rang de chef-d’œuvre pour nombre de spectateurs [22], [23], La Chair et le Sang essuie à sa sortie un nouveau revers au box-office, qui achève de convaincre le cinéaste d'appliquer le conseil de Spielberg, et vers 1985 il part émigrer outre-Atlantique [25].

Période américaine

1985-1989 : Arrivée et premier succès presque d'emblée

Aux États-Unis, c'est encore Spielberg qui introduit Verhoeven dans le milieu hollywoodien. Il débute en tournant un épisode de la série télévisée Le Voyageur, anthologie fantastique alors dans sa troisième saison. Intitulé La Dernière scène, il s'agit d'un exercice de style, qui ouvre sur une scène de sexe et joue ensuite sur les mises en abyme [26]. Ainsi mieux familiarisé à la direction d'une équipe américaine, le cinéaste n'en garde pas moins des difficultés avec la langue anglaise, allant jusqu'à se méprendre sur certains dialogues qu'on lui donnait à lire [6] :

« Un personnage disait à un ami « Come on, brother », et moi je cherchais en amont où il était écrit que ces deux là étaient frères ! (rires) [6] »

En parallèle il travaille à son premier film outre-Atlantique, RoboCop ( 1987), qui fait figure de test pour sa femme et lui : ils ne resteront aux États-Unis que si l'expérience est un succès [19]. RoboCop marque une évolution dans le style de Paul Verhoeven. Pour la première fois, il ne collabore plus avec Gerard Soeteman, mais avec deux scénaristes locaux débutants, Edward Neumeier et Michael Miner. Ces derniers s'associent au producteur Jon Davison  (en), et au studio indépendant Orion Pictures, pour qui le succès surprise de Terminator a ouvert la voie aux films de cyborgs. Ils approchent différents réalisateurs, comme Alex Cox ou David Cronenberg, mais tous refusent [27]. Sur une idée de Barbara Boyle, sous-directrice à l'époque d'Orion et qui avait aimé La Chair et le Sang [28], ils se tournent alors vers Paul Verhoeven, qui confiera détester le script proposé. Alors qu'il s'apprête à son tour à décliner l'offre, son épouse lit elle-même le texte, et parvient à le convaincre de mieux l'étudier. C'est ainsi qu'il reprend le script, et réussit petit à petit à en extraire les aspects intéressants [27]. Plus particulièrement, il entrevoie dans le personnage central la figure de Jésus, envisageant l'histoire comme une parabole parlant « de crucifixion, de résurrection, et du paradis perdu » [19].

Pour le rôle principal, on lui propose Arnold Schwarzenegger, mais il le juge trop imposant. D'autres noms circulent comme Rutger Hauer, Tom Berenger, Armand Assante ou Michael Ironside, mais c'est finalement Peter Weller qui obtient le rôle, pour « son menton parfait » [27]. La mise en scène de RoboCop s'inspire de l'univers de Fritz Lang, et de l'esthétique tranchée de la peinture géométrique de Piet Mondrian. Le récit est entrecoupé de scènes de propagande télévisuelle, qui visent à marquer une distance au récit. Bien que présentes dans le scénario d'origine, elles apparaissent à l'écran bien plus nettes, se télescopant brutalement avec la fiction, comme les formes tout en angles droits du peintre néerlandais [29]. Présenté à l'été 1987 aux États-Unis, le film remporte un grand succès, et obtient plusieurs récompenses, notamment le Saturn Award de la meilleure réalisation et celui du meilleur film de science-fiction. Verhoeven confiera beaucoup plus tard qu'il le considère encore comme son film le plus abouti, « tant dans son scénario que dans sa dimension politique » [24].

Le cinéaste se lance ensuite dans le projet Dinosaur, pour Disney. Il devait s'agir d'un film muet écrit par Walon Green, scénariste de La Horde sauvage et Le Convoi de la peur, et produit par Jon Davison, déjà à l’œuvre sur RoboCop. Le studio, inquiet du résultat, préfère mettre un terme au projet ; pourtant celui-ci renaîtra douze ans plus tard, sous la forme beaucoup plus familiale d'un film d'animation [30].

1990-1994 : Période faste

Arnold Schwarzenegger, qui a adoré RoboCop [31], propose alors au réalisateur d'adapter la nouvelle de Philip K. Dick Souvenirs à vendre, dont il détient les droits [5]. Le scénario qu'il lui transmet, qui deviendra Total Recall ( 1990), en est déjà à sa 41e version. D'abord aux mains de Disney, puis du producteur Dino De Laurentiis, il appartient désormais au studio Carolco Pictures grâce à l'entremise de Schwarzenegger. Avant Verhoeven, plusieurs réalisateurs ont été approchés, comme Richard Rush, Bruce Beresford, et surtout David Cronenberg, qui ne quittera le projet qu'au bout d'un an de travail. Quand vient le tour du Néerlandais, celui-ci, qui n'a jamais lu Dick auparavant, est séduit par l'idée de double réalité, et accepte de rejoindre le tournage. Fidèle à lui-même, il tire le récit vers plus de satire et de critique, et force à l'écran sa violence graphique. Doté d'un budget conséquent de 65 millions de dollars, soit l'équivalent de celui d' Abyss ( 1989), articulé sur plusieurs sites et équipes, et pouvant compter sur une quarantaine de décors, le tournage est difficile et nécessite la présence permanente du cinéaste, qui s'attèle à la tâche énergiquement. Plus encore que RoboCop, Total Recall multiplie les effets spéciaux coûteux [32], mais toujours au service d'un mélange de divertissement violent et de critique acerbe des dérives de la société contemporaine, plus particulièrement américaine. Verhoeven explique ce second point par le choc ressenti à son arrivée dans cette civilisation, notamment par la vente libre d'armes, ou par la peine de mort en public pratiquée dans certains États [3].

Buste d' Ibn Khaldoun à Béjaïa, en Algérie.

Durant le tournage, il discute avec Schwarzenegger d'un nouveau projet centré sur les croisades, Crusade, et le propose à Walon Green. Le scénariste en fait une grande fresque historique et religieuse, où il aborde différents thèmes comme les rapprochements entre l' Église et la Seigneurie, les conflits avec le monde musulman, ou la naissance des premiers pogroms à l'encontre des Juifs. L'interprète de Total Recall y apparaît en petit escroc qui s'invente un destin mythologique, avant de finalement littéralement le vivre. Inspiré par l' Histoire, et par des livres aussi divers que Al Muqaddimah d' Ibn Khaldoun, La Papesse Jeanne d' Emmanuel Roïdis ou le classique du e siècle L’Âne d'or ou Les Métamorphoses d' Apulée, Walon Green compose un récit à la fois symbolique, mystique et politique qui convainc Verhoeven et Schwarzenegger. Le projet ira jusqu'à la pré-production, le cinéaste partant effectuer ses premiers repérages en Espagne, tandis que pour le casting, les noms de John Turturro, Jennifer Connelly et même Irène Jacob et Richard Anconina commençaient à circuler. Mais le producteur Mario Kassar et son studio Carolco mettent le projet entre parenthèses pour se consacrer à L'Île aux pirates, de Renny Harlin. Le film est un tel échec financier qu'il ne leur est plus possible d'investir les plus de 100 millions de dollars que réclame Crusade, lequel est alors définitivement enterré [30], [33].

Le succès revient pour Verhoeven avec Basic Instinct ( 1992), à nouveau sous l'impulsion de Mario Kassar [19]. Présenté en ouverture du Festival de Cannes, il clôt ce que le cinéaste appelle sa « trilogie psychotique ». En effet, ses trois derniers films creusent chacun à leur manière la thématique du double : le policier mi-homme mi-robot de RoboCop, l'agent double amnésique de Total Recall, et cette fois une auteure de polar suspectée de meurtre [2]. Basic Instinct fait scandale à sa sortie, et déclenche notamment l'ire des ligues féministes et homosexuelles, pour son personnage ambivalent, ses scènes d'amour explicites, et surtout sa séquence où Sharon Stone décroise les jambes sans culotte [34]. L'actrice a déclaré s'être fait piéger par le réalisateur, qui lui aurait promis que rien n'apparaîtrait à l'écran, mais celui-ci assure avoir reçu son accord, et même avec enthousiasme [35]. Quoi qu'il en soit, le film permet à Sharon Stone d'accéder à la célébrité. À en croire le metteur en scène, elle « est arrivée à Cannes inconnue et en deux, trois heures, c'était une star ! » [13]

Durant toute cette période, Verhoeven reçoit beaucoup de propositions qu'il refuse, parmi lesquelles certaines donneront lieu à des classiques comme Seven ( 1995), Le Silence des agneaux ( 1992) ou L'insoutenable Légèreté de l'être ( 1988). Il confiera regretter beaucoup moins le premier que les deux autres, pour lesquels il parle d'« erreur considérable » de sa part [36].

1995-2000 : Phase de doutes et départ

La fortune cesse brutalement de sourire à Verhoeven avec Showgirls ( 1995), critique des États-Unis à travers Las Vegas, « ce temple du kitsch et du mauvais goût », qui est un fiasco au box-office. Il se voit remettre le Razzie Award du pire réalisateur, en mains propres puisqu'il va lui-même récupérer son prix durant la cérémonie, fait très rare dans l'histoire de cette manifestation [7]. Le film suffit à ruiner la carrière de son actrice principale Elizabeth Berkley, alors célèbre pour son rôle dans la série Sauvés par le gong, et préférée à une toute jeune Charlize Theron jugée encore trop peu connue [N 4]. Vingt ans plus tard, le cinéaste admettra la chance de cette dernière, qui s'épargnait ainsi « vingt horribles années pour elle » [38]. Showgirls sera toutefois réhabilité par une partie du public quelques années après, inspirant notamment dès 1998 une critique élogieuse de Jacques Rivette, pilier de la Nouvelle Vague, qui dira y voir le « film le plus personnel » de Verhoeven, « l'un des plus grands films américains de ces dernières années » [29]. Suivront dans les années 2000 les louanges de célébrités américaines comme Quentin Tarantino ou John Waters ; puis c'est au tour de Jean-François Rauger, critique au Monde, qui dans ses colonnes avait éreinté le film à sa sortie, d'admettre en 2015 s'être « planté ». Avec le recul, il regrette son article, qu'il juge trop indécis et peu clairvoyant. Mais si le réalisateur s'amuse de voir ainsi Showgirls passer « de la crucifixion à la résurrection » [39], il admet aussi lui-même être allé sans doute trop loin sur ce tournage, en le prenant trop personnellement, et en négligeant ainsi la ligne de conduite qu'il se fixe habituellement [5].

Une arachnide, créature de Starship Troopers.

Verhoeven revient ensuite à la violence crue de ses débuts avec Starship Troopers ( 1997), lancé sous l'égide de Mike Medavoy  (en), alors directeur de TriStar et transfuge d' Orion Pictures, chez qui il avait financé La Chair et le Sang et RoboCop [19]. Il y renoue avec son esprit provocateur et iconoclaste à l'intérieur du cinéma hollywoodien. L'idée naît durant la fin du tournage de RoboCop, lors d'une discussion entre lui et le scénariste Edward Neumeier. Les deux films sont très liés : ils partagent plusieurs membres importants de leurs équipes, et Neumeier ira jusqu'à dire que l'un est en quelque sorte une suite de l'autre. Tiré d'un roman de Robert A. Heinlein, un des piliers de ce qui deviendra l' Initiative de défense stratégique, Starship Troopers est immédiatement pensé comme une satire [28]. Il s'attaque au culte du militarisme, décortique les mécanismes de manipulation des masses et force la caricature. Verhoven avoue avoir profité d'une grande liberté durant le tournage, du fait d'un turnover permanent à la tête de TriStar et sa maison mère Sony Pictures. S'inspirant de films de Leni Riefenstahl, comme Le Triomphe de la volonté, et de documentaires de propagande nazi, il donne à Starship Troopers un style outrancier, qui emprunte à l'imagerie fasciste pour mieux la ridiculiser. Une partie de la critique américaine, notamment le Wall Street Journal, ne perçoit pas l'ironie et prend le message fascisant au premier degré. Le film est mieux accueilli à l'international, et sa critique de l'impérialisme américain finit par être mieux admise aux États-Unis après les attentats du 11 septembre 2001 [13], [29].

Tandis que les petits studios qui ont suivi ses premiers films américains ferment les uns après les autres [40], Verhoeven dirige ensuite Hollow Man ( 2000), surtout par amitié pour les membres de l'équipe de tournage [5]. Il admet néanmoins que la question soulevée par le pitch (jusqu'où irait-on si on était invisible) et la perspective de travailler avec d'importants effets spéciaux le tentaient aussi. Le film réussit un excellent démarrage, battant aux États-Unis le dernier record pour le mois d'août établi par Sixième Sens, alors qu'il est classé R (interdit aux moins de 17 ans non accompagnés [N 5]) en pleine période estivale [41], [42], et termine avec près de 100 millions de dollars de bénéfices [43]. Mais s'il a pu glisser certains détails personnels, comme un hommage à Fenêtre sur cour d' Alfred Hitchcock dès la scène d'ouverture [44], Verhoeven raconte n'avoir pu faire ce qu'il souhaitait, obligé par exemple de ne filmer qu'en intérieur pour éviter d'être accusé de plagier L'Homme invisible d' H. G. Wells, ou contraint de couper des scènes jugées trop violentes par ses producteurs [N 6], [24]. Il avouera même plus tard regretter de n'avoir pas abandonné le projet [5]. De plus en plus enclin à quitter les États-Unis, il travaille encore à une biographie de Victoria Woodhull, « féministe avant l'heure, probablement prostituée, qui vivait au 19ème siècle », pour laquelle il espère séduire Nicole Kidman ; mais il doit encore renoncer faute de financements. Comme à l'époque de La Chair et le Sang, ces désaveux coïncident avec une rupture dans sa carrière, puisque il décide de mettre fin à sa période américaine et de retourner en Europe poursuivre son œuvre [13], [45].

Retour en Europe

2001-2014 : Une indépendance retrouvée

Verhoeven participe au Festival du cinéma nordique de Rouen en 2001 [46], puis, en 2002, il revient aux Pays-Bas, où il retrouve son complice scénariste Gerard Soeteman pour relancer un projet envisagé ensemble depuis 1980 : Black Book, son premier film néerlandais après 22 ans à tourner aux États-Unis, sort en 2006. Le réalisateur explique son retour sur ses terres natales par les difficultés qu'il aurait eu outre-Atlantique : les bons acteurs rendus inaccessibles par leurs agents, la censure morale à l'encontre de certaines scènes, et l'obligation probable de tourner en anglais, antithétique avec son souhait de conserver les langues originales de ses acteurs. Très grosse production à l'échelle des Pays-Bas, Black Book s'inspire de faits réels y ayant eu lieu pendant la Seconde Guerre mondiale (comme Soldaat van Oranje quelques années plus tôt) [8], [13]. Très sombre, il bat en brèche un certain nombre d'idées reçues sur le conflit, comme l' antisémitisme existant dans la Résistance, ou l'absolution des responsables nazis qui rejoignaient la lutte anticommuniste. Black Book remporte un net succès, notamment dans son pays où il attire 900 000 spectateurs [47].

En 2007 il fait partie du jury de Zhang Yimou lors du 64e Festival de Venise. Il partage ce rôle de membre du jury pour le Lion d'or avec notamment Catherine Breillat, Jane Campion et Alejandro González Iñárritu. La même année, Verhoeven s'inspire d'une visite au Jesus Seminar aux États-Unis, et plus généralement de son intérêt pour la religion, pour co-écrire avec Rob van Scheers l'essai Jésus de Nazareth. Publié l' année suivante, le livre tente une interprétation réaliste, historique et athée de la vie du Christ [48]. Une adaptation centrée sur ses dix-huit derniers mois est alors envisagée, avec le support de Roger Avary, et Mel Brooks et Chris Hanley  (en) à la production, mais elle ne voit pas le jour [4], [36], [49]. Toujours en 2008, le festival International du film Entrevues à Belfort consacre à Verhoeven une rétrospective [50]. Le cinéaste est pressenti un an plus tard pour diriger The Surrogates, un thriller tiré d'un roman de Kathy Mackel  (en) réadapté par les scénaristes Bruce et Roderick Taylor  (en). L'histoire est celle d'un couple contraint de faire appel à une mère porteuse, et qui comprend que celle-ci fera tout pour garder l'enfant [51]. Le projet est finalement abandonné mais Halle Berry, qui devait y jouer, reste en contact avec Verhoeven pour ses prochains travaux [52].

En 2010, le réalisateur révèle à la télévision néerlandaise son projet d'adapter, avec son complice de toujours Gerard Soeteman, La Force des ténèbres ( 1990) de Louis Couperus, autour des rébellions contre le colonialisme et de la naissance de l' islamisme, mais celui-ci ne verra pas non plus le jour [53]. Son premier achèvement depuis Black Book ne vient qu'en septembre 2012, avec la sortie aux Pays-Bas de Tricked [54]. Initié un an plus tôt avec le concours de la société de production néerlandaise FCCE, il s'appuie sur le projet Entertainment Experience  (en), une plate-forme d'échange participatif hébergée sur Internet. À partir d'un script de quatre pages écrit par l'actrice Kim van Kooten et posté par Verhoeven, les internautes sont appelés à le développer en apportant leur contribution [55], [56]. Quelque 10 000 pages de propositions seront reçues et étudiées, jusqu'à l'obtention d'un scénario complet. Au total, environ 30 000 personnes participent, à l'écriture mais aussi au casting, aux bandes-annonces, au choix des musiques, etc. Une vingtaine de versions amateurs du film sont proposées, dont l'une, intitulée Lotgenoten, parviendra finalement à sortir dans les salles néerlandaises en mars 2014. S'y ajoutent encore une version réunissant les moments les plus appréciés par les internautes, et une enfin réalisée par Verhoeven lui-même. Celle-ci, d'un peu plus de 50 minutes seulement, sortira finalement en salles précédée d'un documentaire retraçant toute l'aventure [55], [57]. Le film est présenté dans différents festivals, comme Rome ou TriBeCa [54], et paraît en France, directement en vidéo, le [58].

Depuis 2015 : La France

Avec Isabelle Huppert, pour la projection de Elle au festival de Cannes 2016.

En 2015, il débute la production d' Elle, une coproduction franco-allemande avec notamment Isabelle Huppert, Virginie Efira et Charles Berling. Verhoeven envisageait d'abord de tourner le film aux États-Unis, mais les difficultés qu'il rencontre à le financer le poussent à élire finalement la France : « Pour obtenir des financements, il faut éliminer tout ce qui pourrait prêter à controverse… Tuer des gens à l’écran, ça, ça ne gêne personne vu que tout le monde est armé. » [4] Soucieux de ne pas privilégier son confort au détriment de l'équipe, il dirige celle-ci entièrement en français. Il prend pour cela des cours intensifs pendant une semaine, à raison de 8 heures par jour [59]. Elle est l' adaptation par le scénariste David Birke du roman « Oh... » de Philippe Djian, publié en 2012 aux Éditions Gallimard. Le cinéaste confesse ne connaître au départ l'auteur que par l' adaptation de son livre 37°2 le matin, qui lui avait rappelé Turkish Délices. Il estime être resté fidèle dans Elle au roman d'origine, malgré la prise de « quelques libertés », et se félicite de s'y jouer une fois de plus du politiquement correct. Le film, tourné sous l'égide du producteur franco-tunisien Saïd Ben Saïd, sort en juin 2016 [29]. Il est présenté en compétition officielle au festival de Cannes, 24 ans après l'ouverture de l' édition 1992 avec Basic Instinct, et reçoit de nombreuses récompenses, parmi lesquelles le Golden Globe du meilleur film en langue étrangère.

Le , alors qu'il donne une master class au 16e Festival international du film de Marrakech [60], l'organisation du 67e Festival de Berlin annonce sa nomination en tant que président du jury des longs métrages, pour remettre l' Ours d'or. Il succède ainsi à la comédienne Meryl Streep [61].

Le succès de Elle apporte de nouveaux projets à Paul Verhoeven, notamment une adaptation télévisée du roman Bel-Ami de Guy de Maupassant. Un film, centré sur Jean Moulin, « figure emblématique de la Résistance », et qui étudiera « les courants, les antagonismes, les trahisons » en jeu au sein du mouvement [4], [29], est également évoqué [62].

Mais en avril 2017, il est finalement révélé que son film suivant sera intitulé Sainte Vierge (Blessed Virgin) et adapté du roman Immodest Acts ( 1986) de Judith C. Brown. À nouveau porté par le producteur Saïd Ben Saïd et tourné en français, le projet devrait permettre de retrouver Virginie Efira, déjà présente dans Elle, dans le rôle de Benedetta Carlini, une religieuse catholique italienne du e siècle, mystique et lesbienne. Pour avoir entretenu une relation avec une autre sœur, en pleine période de la Contre-Réforme en Italie, Carlini sera tenue à l'écart de tout contact durant quarante ans. Son histoire constitue l'un des premiers cas documentés d'homosexualité féminine en Europe occidentale [63].

Vie privée

Paul Verhoeven réside à Los Angeles depuis 1985, encore aujourd'hui malgré l'arrêt de ses tournages aux États-Unis. En 2016, il n'envisageait toujours pas de quitter le continent américain, même s'il ajoutait alors « sauf si Trump gagne ».

Il est marié depuis 1967 avec la Néerlandaise Martine Tours. Ensemble ils ont deux filles, l'une peintre et l'autre scénariste pour la télévision [4].

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